Allegro HD Programación Setiembre

 Destacados de Programación – Septiembre 2015

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ÓPERA – Carmen – Estreno 3 de septiembre – Una ópera en 4 actos de Georges Bizet. Estreno el 3 de septiembre a las 17:00

Sinopsis: Carmen, la ópera en cuatro actos, llega a Allegro HD de la mano de la Orquesta Estatal de Berlín, en una puesta en escena que ha sido catalogada  como la perfecta representación de esta historia de amor trágico que ha trascendido en el tiempo.

Daniel Barenboim, uno de los grandes directores de orquesta del siglo XX nos acerca en esta su interpretación musical de este legendario título operístico. La mezzo-soprano Marina Domashenko es la encargada de dar vida a la protagonista de esta historia, basada en la novela de Prosper Mérimée. Una historia amorosa en la que Carmen, una cigarrera amada por todos los hombres, seduce a Don José a fin de quedar libre tras encontrarse bajo su custodia. Carmen volcará luego su amor en el torero Escamillo, lo que desencadenará la violenta reacción del soldado cegado por los celos. Un hilo narrativo de constante tensión y un desenlace trágico.

Tras su estreno en 1875 la obra fue duramente criticada, hasta tal punto que el propio Georges Bizet estuvo a punto de dejarla en el olvido. De hecho el mismo autor no vivió para ver el éxito posterior de su obra, pues murió muy poco después de su estreno a la edad de 37 años. Hoy podemos afirmar que esta obra revolucionó en buena parte la forma de comprender la ópera. Transformó el género, borrando las divisiones entre la ópera de tradición seria  y la ópera comique, que por aquel entonces se entendía como algo más liviano y no tenía la misma consideración que el drama serio.

El Preludio es sin duda una de las piezas orquestales más famosas de la historia de la ópera y junto a muchas de las composiciones de la obra, como la célebre Habanera, el coro de las cigarreras y el dúo final, constituyen algunos de los pasajes más imponentes de esta y otras muchas óperas.

 

Opera : Cosi Fan Tutte. Una ópera en 2 actos de Wolfgang Amadeus Mozart. Estreno el 4 de septiembre a las 17:00

Sinopsis: Amor y deseo, ejes del devenir humano, que en forma jocosa nos presenta esta famosa ópera de Mozart, y que hoy vemos expresados en un montaje contemporáneo del ganador del Oscar, Michel Haneke.

El amor y el deseo vistos por los ojos de un genio, en una ópera que después de 200 años es capaz de renovarse para seguir convocando y complaciendo a  los públicos más diversos.

Così fan tutte ossia La scuola degli amanti (título original en italiano; en español, Así hacen todas o La escuela de los amantes) es un drama jocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte. La primera vez que se representó Così fan tutte fue en el Burgtheater de Viena, el 26 de enero de 1790.

 La traducción literal del título es «Así hacen todas (las mujeres)», el cual surge de las palabras cantadas por los tres hombres cuando hablan del voluble amor femenino, en el segundo acto, cuadro III, justo antes del finale. Da Ponte había usado el verso «Così fan tutte le belle» con anterioridad, en Las bodas de Fígaro (acto I, escena 7). Algunos han visto en el título y el argumento de la ópera un cierto rastro de misoginia por parte de Mozart y da Ponte, aunque es algo que no puede asegurarse.

 Como afirmó Octavio Paz, «solo podemos vivir si somos conscientes de la complejidad de la relación entre el deseo y el amor», sin duda un bello tópico del que se aprovecha el cineasta Michael Haneke, que vuelve a la ópera para encabezar la producción de esta pieza en el Teatro Real en su temporada 2012/2013. Un montaje contemporáneo para un tópico de atemporal.

Íconos : Pat Metheny Group. The Way Up Live. Estreno el 6 de septiembre a las 17:35

 Sinopsis: Compuesta por Metheny y Lyle Mays, su compañero y teclista por muchos años, la música de este concierto, The Way Up Live, es un «continuo» de 70 minutos. Seguramente, no podrán olvidar la experiencia de ver y escuchar estos siete brillantes músicos en escena y quedará tan maravillado como los miles de espectadores en Seúl.

Treinta y ocho años de música incomparable, son la mejor carta de presentación de este grupo de jazz y jazz fusión. Su creador está reconocido como unos de los mejores guitarristas de jazz de la historia y tiene en su haber la no despreciable suma de 20 premios Grammy.

 Hijo de una familia de músicos de Missouri, Pat, bajo influencia de su hermano Mike, comienza a tocar la trompeta, pero para fortuna de la música –aunque nunca sabremos cómo lo hubiera ido con dicho instrumento–, a los doce años comienza su indisoluble amistad con la guitarra. Con una sólida formación académica, Pat estudia inicialmente en la Universidad de Miami y pasa luego a Boston donde llega a ser profesor de la prestigiosa Berklee College of Music, contando entre sus alumnos con grandes músicos de la talla Al DiMeola.

En Berklee conoce a Gary Burton, quien lo integra por tres años a su banda. Para 1974, Pat Metheny hace su debut discográfico, de la mano de  otro grande de siempre, Jaco Pastorius, en su álbum Jaco. Con Pastorius edita su primer álbum instrumental y un año más tarde crea con Lyle Mays el Pat Metheny Group.

 Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Pero su permanente afán de modernizarse y recrear, nunca lo ha hecho olvidar su conexión con el jazz tradicional, el swing y el blues.

 Con un impresionante record de premios Grammy, el grupo es un verdadero trotamundos y desde 1974 han realizado un promedio de 180 presentaciones por año, un verdadero record en el ámbito musical internacional.

Concierto : Los 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlin – 40 añosEstreno el 12 de septiembre a las 19:00

 Sinopsis: Una inagotable fuente de talento y encanto en estos Doce Chelistas, que por cuarenta años han conquistado multitudes, con su amplitud de sabores y colores interpretativos.

Doce maestros, doce talentos, millones de seguidores que durante 40 años han disfrutado su particular virtuosismo y amplio repertorio.

 Desde 1972 los Doce violonchelistas de la Filarmónica de Berlín han tenido un inmenso reconocimiento en la escena internacional. No importa si interpretan música clásica, jazz, tango o nuevas tendencias, los oyentes de todo el mundo se fascinan con el sorprendente rango y el extraordinario color que estos doce instrumentistas pueden producir.

 Esa  fascinante mezcla de seriedad y humor, de profundidad o ligereza, atrae a audiencias de todas las edades. Son en verdad un testimonio viviente de talento, de continuidad, de capacidad de comunicación con públicos de diversos gustos y preferencias.

 En esta grabación en vivo de la Filarmónica de Berlín, los Doce violonchelistas dan la bienvenida a Anette Dasch y Till Brönner. Interpretan obras de Piazzolla, Fauré,  Legrand, Debussy, Ravel, Morricone, Ellington, entre otros variados compositores.

 

Concierto: Claudio Abbado y la Orquesta del Festival de LucernaEstreno el 12 de septiembre a las 21:00

Sinopsis: El Festival de Lucerna nos invita a esta velada repleta de sentimiento y emoción. Dos obras de las grandes del repertorio, en interpretación de la orquesta titular del festival y Claudio Abbado, probablemente el director más afín a la orquesta y al festival, que sin duda tenía una conexión muy especial con este conjunto. Disfruten de dos las obras de Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven de las que dejan sin aliento en la mejor calidad audiovisual del planeta.

El Festival de Lucerna, uno de los más importantes y antiguos del panorama musical internacional, sigue demostrando que es una referencia al plantear este programa doble Mozart-Beethoven dirigido por el gran Claudio Abbado.

 El Festival de Lucerna tiene su origen en una serie de conciertos realizados en los jardines de la Villa de la familia Wagner en Tribschen –a orillas de lago Lucerna–, que tenían a Arturo Toscanini como principal director, quien se encargó de formar una orquesta para la ocasión en la que se encontraban miembros de algunas de las principales formaciones musicales del momento. Con la llegada del régimen nazi algunos directores, como el propio Toscanini, Bruno Walter o Fritz Busch decidieron no dirigir en territorio alemán ni austriaco como protesta al régimen, por lo que el territorio suizo –neutral y ajeno en la manera que esto era posible al problema bélico del momento– se mostraba como absolutamente apropiado para servir de escenario.

El festival se fundó aquel 25 de agosto de 1938 precisamente con aquel primer concierto. Desde entonces, el festival se ha ido estableciendo como una de las citas ineludibles en la temporada de música clásica europea, forjada a lo largo de los años con la presencia de prácticamente la totalidad de las grandes orquestas, conjunto de cámara, solistas y directores que han estado en la cima durante más de 75 años. De los pocos más de diez conciertos programados en las primeras ediciones se ha pasado a la visita de más de 120.000 oyentes en cada edición, plagada de eventos.

Además, el festival, tradicionalmente de verano, pasó a diversificar su oferta desde 1988 con la aparición del Festival de Pascua, además del Festival de Piano, que han ampliado la oferta de manera exponencial. En 1970 el festival trabajó por primera vez sobre una idea o tema principal que servía para desarrollar todo el festival, manteniendo desde entonces este concepto como esencia del Festival de Lucerne. A partir de 1973 se lanzan los conciertos de debut o la serie llamada «Jóvenes solistas», por la que han pasado la flor y nata de la interpretación del repertorio clásico, además de la serie «Perspectivas», que hoy día se conoce como «Compositores en residencia», que ha servido para favorecer la creación contemporánea, dándole un impulso que en pocas ocasiones ha encontrado un perfil similar. Jean Nouvel fue el encargado de proyectar la espectacular sala de conciertos que lleva al servicio del festival desde 1998.

Otro de los puntos fuertes del festival es la implicación en la formación musical, por lo que la creación de la Orquesta del Festival de Lucerna en 2003, de la mano de un maestro de la talla de Claudio Abbado, además de la Academia del Festival de Lucerna, que comandada por otro gran genio de la música clásica en el siglo XX, Pierre Boulez, han conseguido formar a diversos y numerosos jóvenes talentos, dándoles la oportunidad de trabajar en un festival y una orquesta de primera nivel, de la mano de algunas de las leyendas en el panorama musical de la historia reciente de la música clásica.

Ballet: El Cascanueces. Un ballet en 2 actos de Pyotr llyich Chaikovski. Estreno el 19 de septiembre a las 19:00

 Sinopsis: Adéntrense en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo para, bajo la dirección de Valery Gergiev, disfrutar de la magia y belleza de El cascanueces, en la que el diálogo siempre nuevo entre la inocencia infantil y los seres de la naturaleza arrojan este inmejorable tesoro de pureza y talento.

La más bella escenificación del mundo de hadas y príncipes con un adorable sabor navideño, gracias al inagotable talento de Tchaikovsky.

 El impresionante Cascanueces del maestro Piotr Ilich Tchaikovsky es una de las obras más populares y queridas de la historia y goza de ese privilegio que solo alcanzan las obras maestras: ser patrimonio absoluto de la humanidad.

 Multitud de versiones, para todos los gustos, muestran la inagotable riqueza de esta maravilla de la música y el ballet, en que los sueños y la realidad se entremezclan en esa dialéctica hermosa de los seres vivos que, en medio de una coreografía siempre limpia y una música fresca y llena de brillo, hace las delicias de quienes por primera vez se enfrentan al ballet o a quienes con experiencia, saben que siempre encontrarán nuevos motivos de placer estético en ese mundo de payasos, hadas y príncipes.

 Niños de todas las edades, tránsito maravilloso de la vida en cualquiera de sus manifestaciones. Seres inertes que se llenan de energía, seres vivos que se abrazan a la contemplación de quienes por momentos ocupan su lugar. En fin, una maravillosa oda a los valores elementales y profundos de la vida, hechos realidad en este regalo de eterna belleza.

Concierto: Celebración barroca. Estreno 19 de septiembre a las 20:00

 Sinopsis: Únase a la celebración del 10º aniversario de Le Concert d’Astrée, el conjunto barroco formado por la clavecinista francesa Emmanuele Haïm en el año 2000. Un fascinante recorrido por la música de algunos de los maestros más célebres del Barroco europeo. Toda una fiesta barroca de la mano de un casting vocal de primer nivel, que le acercará lo mejor de la producción operística de autores como Händel, Monteverdi, Rameau, Purcell y Lully.

Un hermoso recorrido por la Europa barroca a cargo de uno de los conjuntos franceses más destacados en la interpretación histórica de la música antigua en el siglo XXI.

 Del país galo han surgido varios de los conjuntos que son una absoluta referencia en el campo de la interpretación historicista a nivel mundial. Aquí se presenta a uno de los conjuntos especializados más interesantes en los últimos años, Le Concert d’Astrée, que celebró en 2011 su décimo aniversario; diez años de interpretación dedicada de manera prácticamente exclusiva al repertorio barroco, prestando especial atención a alguno de los compositores más destacados de los siglos XVII y XVIII, algunos de los cuales se interpretan aquí. Bajo la dirección de su fundadora, la clavecinista francesa Emmanuelle Haïm, y acompañados de un cast vocal de primer orden, entre el que se encuentran algunas de las grandes figuras del canto histórico internacional, como las sopranos francesas Sandrine Piau o Patricia Petibon, el afamado contratenor Philippe Jaroussky, la mezzo sueca Anne Sofie von Otter o el tenor finés Topi Lehtipuu, nos acercan lo mejor de algunos de los grandes representantes del Barroco musical en Europa.

 Con la interpretación historicista se produjo un cambio en la concepción interpretativa de la música anterior a 1800. Al amparo del estudio de los documentos primarios y secundarios que se tiene de épocas pasadas, algunos intérpretes comenzaron, especialmente a partir de la segunda mitad del siglo XX, a acercarse a esta visión que promulgaba un acercamiento sonoro lo más fidedigno posible a cómo pude ser este en el momento de su creación. De esta forma se han ido desarrollando cada vez más los intérpretes y estudios en esta línea, que buscan interpretar las creaciones desde el Medievo hasta comienzos del XIX con una visión informada y que muestre que otra manera de acercarse a esta música es posible.

Una gala centrada especialmente en el repertorio operístico, que nos llega de la mano de algunos de sus principales valedores, como Claudio Monteverdi, quien ayudó de manera trascendental al paso de la estética renacentista a la barroca, creador de una de las primeras óperas de la historia; Georg Friedrich Händel, sin duda uno de los mayores talentos del género operístico, que triunfó con sus óperas italianas en Inglaterra y que construyó un nuevo modelo de oratorio; Henry Purcell, gran talento musical del Barroco británico y figura fundamental en la historia musical del país hasta la llegada de Britten, que desarrolló con gran talento la semiópera y ópera; Jean-Baptiste Lully, que a pesar de ser italiano se instauró en Francia como el padre de la tragedia y el drama franceses, siendo reconocido por la corte y el público del momento; a quien continuó en el siglo XVIII Jean-Philippe Rameau, sin duda el autor de ópera francesa más importante del siglo y uno de los más grandes de la historia del género en Europa.

Un acontecimiento musical de primer orden que nos acerca la ópera barroca de la mano de unos de los intérpretes más capacitados para ello, auténticos especialistas en el repertorio y en la interpretación de la música de los siglos XVII y XVIII con criterios históricos. Todo un lujo barroco a su alcance.

Concierto: Peter Frampton Live. Estreno el 20 de septiembre a las 21:00

  Sinopsis:Disfruten de Frampton Comes Alive! Tour 2011, un concierto en directo seleccionado con los mejores momentos de las actuaciones del músico británico en las ciudades de New York y Milwaukee que formaron parte de su gira mundial para celebrar los 35 años del lanzamiento de aquel exitoso álbum.

El artista británico presenta algunos de los mejores momentos en directo dentro la gira que le llevó a celebrar su 35º aniversario su álbum Frampton Comes Alive!

En enero de 1976 el cantante y guitarrista británico Peter Frampton lanzaba al mercado un álbum, en el sello A&M Records, grabado en directo que lleva por título Frampton Come Alive! Se trataba de su primer registro en vivo y del quinto lanzamiento de su carrera discográfica, la cual había comenzado solo cuatro años antes con aquel Wind of Change. Este ha sido considerado por algunos como uno de los mejores álbumes de rock de la historia.

 El éxito avaló su lanzamiento y la fulgurante carrera del británico, puesto que con once millones de copias vendidas desde entonces está considerado como el disco de rock en vivo más venido de la historia. Solamente durante aquel 1976 se vendieron seis millones de copias del doble álbum, por lo que se convirtió en el álbum más vendido del año en los Estados Unidos. Tras comenzar en el puesto 191 de las listas de vendidas, el ascenso fue estratosférico y el álbum consiguió alzarse a las pocas semanas al número uno del Billboard 200 manteniéndose en esta posición durante diez semanas consecutivas.

 El disco se grabó durante el verano de 1975 en los conciertos celebrados en lugares como el Winterland Ballroom de San Francisco, el Long Island Arena de Commack y el SUNY Plattsburgh de la localidad homónima. Compuesto por catorce temas, todos ellos a excepción de uno fueron escritos por el propio Frampton. En la grabación participaron otros tres músicos: Bob Mayo (guitarra, piano, piano Fender, órgano Hammond y vocales), Stanley Sheldon (bajo y vocales) y John Siomos (batería).

 En 2001 se editó una edición deluxe de aquella grabación, para conmemorar los 25 años de la mismso, al igual que para celebrar los 35 años de aquel lanzamiento se proyectó la Frampton Come Alive! Tour 2011, que comenzó el 15 de junio de aquel año en la localidad de Red Bank y que visitó un total de sesenta y nueve ciudades a lo largo y ancho de los Estados Unidos y Canadá, aunque la gira se extendió por otras muchas ciudades de todo el mundo. Se acompañaba de una pequeña banda, prácticamente igual a la que se utilizó en aquellos primeros conciertos en directo del 75.

Iconos : Simply Red. Live at Montreux. Estreno el 23 de septiembre a las 21:00

Sinopsis: Montreux, el Festival suizo de Jazz, posicionado como el más importante del género en Europa, abre en su edición del 2003 las puertas a este grupo, que encontró en el Jazz espacio para muchos de sus más celebrados éxitos.Más de 55 millones de discos vendidos y 31 números uno en las listas del Reino Unido, son apenas dos de las magníficas cartas de presentación de este grupo nacido en Mánchester ya hace 30 años.

 Banda histórica en el mundo del Pop, Simply Red tiene en el soul, el jazz y el rhythm and blues sus principales fuentes musicales, pero también han hecho exitosas incursiones en el reggae y el rock. Sus cifras son impresionantes y basta para ello decir que en sus 30 años han realizado más de 1.100 shows, lo que da una idea más que clara de su dedicación, energía y vigencia.

 Y es que el éxito ha sido una constante desde su nacimiento. Su primer trabajo discográfico Picture Book se ubicó rápidamente en el lugar n.º 2 de las listas británicas. En 1991 el grupo lanza su trabajo Stars, que pronto se convierte en el disco más vendido en el Reino Unido con más de ocho millones y medio de copias. Para 1995 llega su álbum Life, en el cual encontramos Fairground, sencillo que se convertiría en el más vendido ese año en Inglaterra.

 En el 2010 realizan su gira Farewell the Final Tour y el 19 de diciembre  se despiden con un concierto en el O2 Arena de Londres, trasmitido en directo a distintos cines a lo largo del Reino Unido.  Pero han vuelto para celebrar sus 30 años y prometen un nuevo disco, así como una gira mundial llamada Big Love World Tour 2015.

Concierto: 800 años del coro de niños de San Tomás Estreno 26 de septiembre a las 15:00

Sinopsis: Acompáñenos a disfrutar de la que es una de las grandes composiciones de toda la historia de la música, y celebre junto a nosotros el 800º aniversario del Coro de Niños de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig. La música de Bach en el templo para la que fue concebida, de la mano de la institución cultural más longeva de la ciudad alemana.

 La gran Pasión de Bach desde la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig. Interpretación de su Coro de Niños para conmemorar los 800 años de su existencia.

 La celebración de 800 años de existencia para cualquier institución es un acontecimiento de enormes dimensiones. Si además esto supone que se trate de la institución cuya historia se remonta más lejos de cuantas existen en una localidad, la efeméride debe suponer un hecho de gran calado a todos los niveles. Es por eso que los fastos organizados por el Thomanerchor,  Coro de Niños de Santo Tomás en Leipzig el pasado 2012, tuvieron una notable relevancia a nivel regional, nacional e incluso internacional.

 El Thomanerchor es un coro que alarga su historia hasta 1212, año en el que el Margrave von Meißen lo creara como un coro para el Monasterio de los Agustinos de Santo Tomás, previo a la creación de la actual iglesia homónima, con el fin de que interpretase la música de los oficios. El coro pasó a ser propiedad de la ciudad de Leipzig a partir de 1539. Actualmente, como coro de niños de la iglesia, se compone de un total de 90 jóvenes entre 8 y 18 años, que se forman musicalmente y educativamente en la propia institución, incluso residen en ella como internos, en los centros habilitados hace años para ello.

 Desde el siglo XVI existe una figura ligada de manera indisoluble al coro, que es la del director y encargado de la educación musical y la interpretación. El Thomaskantor, es el cargo musical más prestigioso de la localidad alemana de Leipzig. Desde que se creó hasta la actualidad, por  este puesto han pasado   36 Thomaskantoren, destacándose   la figura del gran Johann Sebastian Bach, quien ostentó el cargo desde 1723 hasta 1750. En la actualidad el puesto está ocupado por Georg Christoph Biller, quien lleva 23 años en el cargo. Es el encargado de dirigir esta velada de celebración.

 Para celebrar, fieles a su cita con la obra de Bach, como es costumbre en Semana Santa, se ha elegido la Pasión según San Mateo, una de las obras cumbre en toda la creación musical occidental. Bach concibió la obra entre 1725 y 1728 para las vísperas de Viernes Santo para la misma iglesia desde la que se emite el concierto, la de Santo Tomás en Leipzig.  Se estrenó  en 1729. Pasión de monumentales dimensiones, los 68 números de los que consta tienen texto de Picander, el autor con el que Bach colaboró de manera más estrecha. Se estructura en torno a los habituales roles del Evangelista, Jesús, Pilato, Judas y otros papeles secundarios, arropados por una doble orquesta y coro en la que Bach despliega toda su sapiencia musical y el mayor dominio instrumental posible.

Ballet: El violín y el tambor con la Alberta Ballet Company Estreno el 26 de septiembre a las 20:00

Sinopsis:Disfruten de este espectáculo que aúna de manera magistral la música Joni Mitchell y la participación de los bailarines de la Alberta Ballet Company en una coreografía creada especialmente para la obra por Jean Grand–Mâitre. Un espectáculo de danza puramente contemporáneo en el que se mezclan música, proyecciones visuales y danza para ofrecer una reflexión de la autora sobre la problemática medioambiental y la naturaleza bélica de la humanidad.

Joni Mitchell, Jean Grand–Mâitre y la Alberta Ballet Company en una reflexión introspectiva de los problemas de la humanidad a través de un espectáculo global de arte audiovisual.

 El violín y el tambor es el título de una canción original de la cantautora, guitarrista y artista canadiense Roberta Joan Anderson, más conocida como Joni Mitchell, que se grabó por primera vez en 1968 dentro de álbum Clouds. La letra del tema original trata la visión de alguien que observa desde fuera como los Estados Unidos están luchando contra todos y como han sido capaces de «cambiar el violín por el tambor», en una clara alusión al carácter belicista del país norteamericano. Canción antibélica fue utilizada en manifestaciones posteriores contra procesos bélicos en los que se han involucrado el país, la última ocasión en la Guerra de Irak.

 Es en 2007 cuando el título de la canción es tomado por la propia Joni Mitchell para la colaboración con la Alberta Ballet Company y su coreógrafo titular, Jean Grand–Mâitre, para elaborar un ballet de algo menos de una hora de duración que reflexione sobre el carácter belicista de la humanidad, pero también sobre otras problemáticas engendradas en cierta medida por esa visión destructiva del mundo que parece tener el ser humano.

 Mitchell aporta en él una doble vertiente: la musical, en la que se revisitan algunos de los temas más interesantes a lo largo de su carrera, como For he Roses, Passion Play, Slouching Towards of Bethlehem, The Beat of Black Wings, Sex Kills, The Three Great Stimulants y la propia El violín y el tambor. Además se seleccionan tres nuevas canciones que sirvieron como anticipo para el nuevo álbum de Mitchell, Shine, que se lanzó en 2007, además de un potente y energizante remix de Big Yellow Taxi. Por otro lado está la vertiente artística de Mitchell, quien presenta algunos de sus últimos trabajos pictóricos que son proyectados en formato circular en un lienzo de enormes proporciones que ocupa gran parte del fondo del escenario.

 La parte danzada corre a cargo del Alberta Ballet Company, una compañía de danza canadiense que tiene su sede en Calgary y Edmonton, que fue fundada en 1958 por Ruth Carse, dando el salto al mundo profesional en 1966. La parte coreográfica está firmada por Jean Grand–Mâitre, uno de los coreógrafos canadienses con mayor bagaje y proyección en las últimas décadas, quien asumió la dirección de esta compañía de danza en 2002. Ambos ofrecen unos movimientos que encajan a la perfección con el mundo introspectivo que plantea Mitchell, y se debaten entre el lirismo de algunos pasajes, con la tónica general abrupta y potente de la coreografía.

Ópera: El Murciélago, de Johann Strauss II. Estreno el 27 de septiembre a las 17:00

 Sinopsis:En la Viena del siglo XIX no todo eran valses, polcas y marchas. Disfruten de esta célebre opereta El Murciélago, que Johann Strauss II compusiera a finales de siglo. Una historia cómica que combina lo mejor del mundo teatral vienés y francés. Un casting de lujo que supone además el adiós de Harald Serafin, uno de los grandes cantantes que han hecho historia en el Seefestpiele Mörbisch Festival.

Una de las operetas más célebres de la historia desde el Seefestipele Mörbisch Festival, probablemente el festival más importante de este subgénero operístico.

 Los Strauss formaron una saga de músicos que no tiene parangón. De los seis miembros músicos que la componen, Johann (I) y Johann (II) son los más destacados. Lograron gran éxito, gracias a su contribución al ámbito instrumental; alzaron   al vals y  a la polca - géneros de baile de corte popular,- a un lugar de privilegio en la corte y en la nobleza del momento.

 Johann Strauss (II) es sin duda el miembro más interesante en cuanto al talento compositivo. Es el que mayor relevancia ha tenido posteriormente gracias especialmente a su labor en esos géneros de baile, pero también por su aporte  fundamental a la opereta, consiguiendo que ocupara un lugar de privilegio en la escena vienesa de la segunda mitad del XIX. Algunas de sus operetas son consideradas entre las mejores del género. Se destaca  sobre manera Die Fledermaus [El Murciélago], estrenada en abril de 1874 en el Theater an der Wien.

 La obra, compuesta en tres actos, muestra la capacidad de Strauss para dotar a un género, en cierta manera menor, de características que la elevan a la altura del drama operístico convencional, en este caso a la comedia. El libreto, escrito   par por Carl Haffner y Richard Genée, se basa en una novela de Lulis Benedix que a su vez se inspira en un vodevil francés de Meilhac y Halévy para una obra de Offenbach que ninguna llegó a ponerse en música. El libreto fue adaptado a los gustos y tópicos centroeuropeos del momento. Con la sapiencia de Strauss, la obra se consagró como un éxito y un ejemplo excepcional de lo que el género de la opereta puede ofrecer.

 Cada uno de sus números fue un éxito rotundo, y toda la obra es un ejemplo de refinado humor y alegría desbordante, plagada de momentos de comicidad fascinante. El apartado vocal es de gran complejidad, acercándose mucho a las exigencias vocales de cualquier ópera. En lo instrumental la calidad de Strauss sale a relucir desde los primeros compases de la misma obertura, todo un derroche de fantasía, uno de los pasajes más brillantes de la obra y con una instrumentación realmente brillante. Sin duda, una obra de altura para un compositor que supo mantener el buen nombre de una saga de considerable talento.

 Iconos : Jamiroquai. Live at Montreux. Estreno el 28 de septiembre a las 19:00

Sinopsis:La versión 2003 del ya mítico Festival de Montreux  es una nueva y maravillosa ocasión de ver y oír a uno de los consentidos de este certamen. La feliz coincidencia del Festival con la gira mundial de Jamiroquai Midnight Sun constituye un especial regalo audiovisual de esta gran banda.

En el mundo del Funk, Jamiroquai desde los tempranos 90’s, se constituye en líder indudable del movimiento denominado Acid Jazz. Qué mejor escenario que la maravillosa cita del jazz en el Festival de Montreux para  disfrutar de su  muy personal magia musical.

 Jason “Jay” Kay, nacido en Londres, irrumpe con gran fuerza en el mercado musical en 1992, con su sencillo When you gonna learn, después de haber sido rechazado en una audición como vocalista de una banda de rock. Lanzado bajo el sello Acid Jazz, este sencillo genera grandes expectativas y de inmediato Sony firma con él un contrato por un millón de libras esterlinas. Hoy son más de cuarenta millones de álbumes vendidos y es un artista consentido en festivales y premios de música internacionales.

 Desde antes del comienzo de su carrera mostró una conexión mental grande con la tribu indígena norteamericana “iroqués” y de ahí su nombre artístico, como una fusión de la palabra jam, su nombre y el de la tribu.

 La llegada al gran público y la fama mundial la obtiene con su tercer álbum Travelling Without Moving (1996), el disco más vendido de la banda y el disco de funk más vendido en la historia de la música según el Guinness World Records con doce millones de copias en todo el mundo.

 Montreux es una cita inaplazable para este artista, que dentro del mundo del jazz ha significado renovación, nuevo aire y millones de seguidores.

 

 

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Escribo, tomo fotografías artísticas y analizo música clásica y rock, literatura, historia medieval y me atrevo con las noticias de Argentina y del mundo.

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